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INTRODUCCIÓN

Este año la Sección Oficial tuvo el denominador común de la violencia, una exploración que se completaba con la Retrospectiva Temática 'The Act of Killing. Cine y Violencia Global'. El nivel medio de las películas fue correcto, sin películas que destacaran de forma brillante sobre el resto, pero tampoco films que nos hicieran abandonar la sala antes de tiempo. También, se sintió como algo generalizado la tendencia de las nuevas generaciones de directores a alargar en exceso sus propuestas, tal vez, como personas que viven apegadas a la era digital que nos envuelve, les resulta más difícil que antes centrar sus discursos y aligerar el exceso de información superflua.

Nos resultó casi imposible cubrir las sección de Horizontes Latinos y Zabaltegi-Tabakalera, ya que sus proyecciones coincidían siempre con pases de prensa de la Sección Oficial, una pena porque había películas que estaban en nuestra lista de prioridades como 'El Cristo Ciego' de Christopher Murray, 'La Idea de un Lago' de Milagros Mumenthaler, 'La Región Salvaje' de Amat Escalante, 'O Ornitólogo' de Joäo Pedro Rodrigues, 'A Quiet Passion' de Terence Davies, 'Sipo Phantasma' de Koldo Almandoz o 'Zoology' de Ivan I. Tverdovsky, y que nos resultó imposible ver, a nosotros y a muchos otros periodistas acreditados, estaría bien que sirviera de reflexión de cara a nuevas ediciones que hay películas muy potentes que no pueden proyectarse en salas minúsculas y sin pase de prensa independiente.

 

CRÍTICAS

SECCIÓN OFICIAL

 

'A MONSTER CALLS / UN MONSTRUO VIENE A VERME' de J.A. Bayona (España) -108 min.-
Intérpretes: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson (voz).

(Sección Oficial - Fuera de Concurso)

Sinopsis: Conor sólo tiene trece años, pero sabe perfectamente qué va a pasar poco después de la medianoche. Va a tener la misma pesadilla otra vez, esa "pesadilla llena de oscuridad, de viento y de gritos". Ha sido así desde que su madre cayó enferma. Aunque esa noche parece diferente. Conor escucha una voz que le llama desde el jardín. Frente a la casa hay una antigua iglesia, con su cementerio... y un viejo árbol, un tejo que se ha transformado en un monstruo ante los ojos de Conor. De la mano de esa criatura, Conor emprende noche tras noche una nueva aventura para huir de sus propios miedos... hasta que reúna el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla, a su propia historia: la verdad.

'Un Monstruo Viene a Verme' se ha convertido en un fenómeno cultural en nuestro país incluso antes de su estreno y es que la campaña publicitaria está siendo tan brutal que le asegura un éxito rotundo en taquilla. La nueva película del pequeño Spielberg español, J.A. Bayona, es un dramón basado en la novela escrita por Patrick Ness que también ha firmado el guión de la película y que tiene su mayor baza en la combinación de realidad y fantasía, convirtiéndose en un cuento para adultos que nace en la mente de un niño para enfrentarse y superar la crudeza de la vida que le ha tocado vivir. La película tiene un envoltorio técnico impecable, con unos efectos especiales espectaculares, especialmente en todo lo concerniente al "monstruo", pero que argumentalmente cae en lo lacrimógeno y en una excesiva tendencia por el subrayado melodramático más propio del telefilm. La habilidad de Bayona en el manejo de la cámara ayuda a engrandecer el producto, aunque para algunos (me incluyo), la propuesta no resulta todo lo emotiva que debería pese a tocar temas tan delicados como la enfermedad terminal de una madre o el bullying escolar. Tampoco acaban de conjugar en pantalla las secuencias de animación con las de imagen real, resultando un conjunto que quiere abarcar demasiado y que en el fondo es demasiado simple. Eso sí, la resolución del relato es emocionante y, como hemos dicho antes, su perfección técnica es indudable, incluyendo los apartados de fotografía, sonido y música. Además, cuenta con un reparto estelar con estrellas como Sigourney Weaver y Felicity Jones o la voz de Liam Neeson, aunque el que verdaderamente sostiene la película es el joven Lewis MacDougall, todo un descubrimiento.

 

'AMERICAN PASTORAL' de Ewan McGregor (Estados Unidos) -126 min.-
Intérpretes: Ewan McGregor, Jennifer Connelly, Dakota Fanning, Ocean James.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Seymour Levov, el "Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el "Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

'American Pastoral' supone el debut del actor británico Ewan McGregor tras las cámaras y lo hace con la arriesgada misión de adaptar a la pantalla la prestigiosa novela de Philip Roth, ganadora del Pulitzer. El resultado es irregular e insatisfactorio, no tanto porque nos encontremos frente a una mala película, sino por la sensación de haberse desaprovechado la oportunidad de realizar un film de gran calado en el cine contemporáneo. El exceso de ambición de McGregor le lleva a perder el pulso narrativo a mitad del relato, justo cuando deriva hacia el melodrama humano más complejo y oscuro, caminando por la cuerda floja en muchos momentos que podrían llevarlo hacia el ridículo. Por suerte, pese a algunos titubeos peligrosos encima de esa cuerda imaginaria, McGregor logra mantenerse en pie y cerrar su película con dignidad, aunque en el trayecto nos vayamos distanciando de lo que sucede en la pantalla y se pierda esa emoción que busca desgarrarnos el corazón. Sin embargo, el primer tramo de la película es muy interesante y plantea con acierto como una familia ideal que simboliza la perfección del sueño y la vida americana puede ir deteriorándose de la manera más inesperada y dolorosa. Todo ello lo conjuga inteligentemente dentro de un contexto histórico convulso que evoluciona alrededor de esa familia hasta explotarles en la cara. Lástima que en esa segunda mitad antes referida, el contexto histórico se abandone y una narración reduccionista se centre en la familia desestructurada y la distintas maneras de afrontar esa destrucción por cada uno de los miembros. Con un McGregor algo plano en la piel de el "Sueco", un personaje que necesitaría de más complejidad y ambiguedad moral, y con una Dakota Fanning que sobrevive a algunas líneas imposibles de diálogo, la que saca a relucir todo su talento en los momentos más "difíciles" es una soberbia Jennifer Connelly en un personaje con gran rango dramático y que coge el relevo de la niña Ocean James que es la que destaca en los primeros minutos. 'American Pastoral' es fallida y lineal en algunos aspectos (toda la sexualidad implícita se aborda desde el miedo), pero parte de un material tan absorbente que no la hace del todo desdeñable y de ella se pueden extraer muchas cosas interesantes.

 

'AS YOU ARE' de Miles Joris-Peyrafitte (Estados Unidos) -105 min.-
Intérpretes: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Jack es un estudiante de instituto que vive con su madre soltera, Karen, en una ciudad anodina. Considerado un marginado social y un solitario, Jack no tiene amigos hasta que el nuevo novio de Karen, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos outsiders no tardan en hacerse buenos amigos y, tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo. Los tres encuentran su salvación en el grupo, hasta que ciertos cambios en las relaciones y la aparición de algunos secretos les obligan a pararse a pensar y ver hasta dónde están dispuestos a llegar para vivir las vidas que han elegido.

'As You Are' es un drama con aroma Sundance sobre el aprendizaje de la adolescencia, sobre la dificultad de encajar en el mundo y sobre el despertar sexual. El mayor problema que tiene la película es el no saber conjugar el melodrama principal con unos pasajes de thriller criminal que se introducen con calzador en la trama y que finalmente no llevan hacia ninguna parte, causando la decepción generalizada en su desenlace, por otro lado, alargado innecesariamente. Otro problema narrativo que tiene esta película del neoyorkino Miles Joris-Peyrafitte es que siempre sobrevuela el film una sensación equivocada de transcendencia cuando se debería abordar esta historia desde la sencillez y la naturalidad para llegar mejor al público. El título 'As You Are' parece extraído del título de una canción de Nirvana 'Come as you are', grupo de rock grunge del que son fans los adolescentes protagonistas. Algunos pasajes de la canción podrían servir para definir el devenir de la relación triangular de los chicos "Ven como eres, como eras, como yo quiero que seas. Como un amigo, como un viejo enemigo.". También hay un último enigmático pasaje que parece haber servido de inspiración al director y guionista "Juro que no tengo un revólver", pero más allá de estas anécdotas, la película plantea con acierto el inicio de una amistad entre seres confusos y la iniciación sexual entre la duda adolescente, pero se pierde en la reiteración innecesaria y en su coqueteo con el cine de género. La pareja protagonista formada por Owen Campbell y Charlie Heaton, resultan convincentes y son otro punto a favor.

 

'COLOSSAL' de Nacho Vigalondo (Canadá) -109 min.-
Intérpretes: Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens, Austin Stowell, Tim Blake Nelson.

(Sección Oficial - Fuera de Concurso)

Sinopsis: Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

'Colossal' es la nueva gamberrada del "enfant terrible" de Cabezón de la Sal, Nacho Vigalondo, que vuelve a incidir en su mestizaje cinematográfico donde le gusta combinar comedia y drama dentro de un entorno argumental de Serie B, aunque esta vez cuente con más presupuesto. Siempre original en sus planteamientos, Vigalondo nos presenta su obra más ambiciosa e internacional, contando con la actriz Anne Hathaway como protagonista, y una buena dosis de efectos especiales para mostrar en pantalla sin tapujos a una criatura monstruosa a lo Godzilla, no como sucedía en otra de sus obras 'Extraterrestre' (2011), donde jugaba al despiste. La película parte de una idea tan absurda como atractiva, el vínculo entre una chica y un monstruo que repite todos sus movimientos físicos al otro lado del mundo. A partir de ahí, el film de Vigalondo peca de tomarse demasiado en serio a sí mismo y de un exceso de duración que conlleva enredarse inútilmente en explicaciones ilógicas a dicha conexión (la secuencia de la infancia en el parque es bastante risible) o en mostrarse repetitivo en sus argumentos (la obsesión del "macho cabrío" con la chica y sus constantes ataques de celos contra el amigo guaperas de la cuadrilla y contra el prescindible ex-novio, culminados en una innecesaria escena en el interior del bar con fuegos artificiales incluidos). 'Colossal' funciona y divierte cuando asume su condición de producto de entretenimiento, cuando utiliza el gag y el ingenio en los diálogos o cuando describe a su pandilla de encantadores perdedores, pero fracasa al psicoanalizar el comportamiento machista o al insertar partes de melodrama que no encajan bien con el carácter festivo de su premisa argumental.

 

'EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS' de Alberto Rodríguez (España) -123 min.-
Intérpretes: Eduard Fernández, José Coronado, Marta Etura, Carlos Santos, Enric Benavent, Alba Galocha, Philippe Rebbot, Pedro Casablanc, Israel Elejalde, Emilio Gutiérrez-Caba.

(Sección Oficial)

Sinopsis: El hombre de las mil caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Una historia de tramposos e impostores inspirada en hechos reales. Francisco Paesa, uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas, ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En 1995 Luis Roldán y su mujer le contratan para ocultar 1.500 millones de pesetas sustraídos de las arcas públicas. Con la ayuda de Jesús Camoes, su inseparable socio, organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos.

'El Hombre de las Mil Caras' es un poderoso e impecable thriller que maneja su rocambolesca trama con una pericia asombrosa. Es ágil y entretenida, combina cine de espías con intriga política, pese a partir de un material que en otras manos podía haber resultado farragoso y partidista. La pelícual es un biopic basado en personajes reales de esa España deudora de la picaresca del 'Lazarillo de Tormes' y que entre todos hemos reconducido hacia la corrupción más bochornosa, convirtiéndose en una perfecta radiografía histórica del entorno político y empresarial vínculado con el poder (en la expresión más negativa del término) en nuestro país, conducido por mangantes y caraduras. La película no llega a la maestría de 'La Isla Mínima' (2014), pero engancha de principio a fin en su hilarante exposición de los hechos siempre desde una postura distante que no toma partido ni juzga a sus personajes. También hay que destacar la estupenda música compuesta por Julio de la Rosa y el buen reparto coral que capitanea el siempre efectivo Eduard Fernández, que se alzó con la Concha de Plata al Mejor Actor, bien secundado por José Coronado, Marta Etura y un sorprendente Carlos Santos.

 

'WO BU SHI PAN JINLIAN / I AM NOT MADAME BOVARY' de Xiaogang Feng (China) -128 min.-
Intérpretes: Fan Binbing, Guo Tao, Da Peng, Zhang Jiayi.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Li Xuelian y su marido Qin Yuhe montan un falso divorcio para obtener un segundo apartamento. Seis meses después, Qin se vuelve a casar con otra mujer. Llena de ira, Li presenta una demanda que pierde, porque el divorcio cumplía con los procedimientos legales. Y además Qin la acusa de haber sido impura en su noche de bodas. Una década después, sin que el matrimonio ni su reputación se hayan restaurado, Li viaja a la capital durante el Congreso Nacional del Pueblo para completar su absurdo periplo de diez años por el hijo que no tuvo.

'I Am not Madame Bovary' es una comedia dramática china que, a la postre, resultó la gran vencedora de esta edición del Festival de San Sebastián, alzándose con la Concha de Oro a la Mejor Película y la Concha de Plata a la Mejor Actriz para la estrella china Fan Binbing, bastante discutibles ambos premios para nosotros. La película tiene un planteamiento original y divertido que propone a través de una anécdota inicialmente absurda la lucha durante años de una mujer por demostrar su verdad y, de paso, el inmovilismo y la inutilidad de la bur(r)ocracia del país, así como la corrupción que la sostiene y lo corroe, algo que no nos queda tan lejos. Después de ese inicio prometedor, la película comienza a girar sobre sí misma y alarga su premisa hasta unos injustificados 128 minutos que lastran su interesante discurso. Tampoco resulta convincente ni justificada la propuesta de formatos que hace el director Xiaogang Feng y esa utilización la mayor parte del metraje de un formato circular que solo cambia cuando la protagonista va a la capital donde el formato se vuelve cuadrado y, en otras contadas ocasiones, panorámico. Esa propuesta estética parece más un capricho arbitrario de Feng de dudosa justificación vehicular para contar su historia, se hace reiterativa y cansina, es más, al reducir tanto el tamaño de la ventana de sus imágenes ni siquiera son apreciables en toda su dimensión la fotografía de Luo Pan ni la propia interpretación de Fan Binbing, es como si viéramos la película en el tamaño de nuestra pantalla de móvil. Si a eso le sumamos el estupor que provocó la respuesta de la víctima de una violación filmada en off, tenemos una película con más sombras que luces que desaprovecha un buen punto de partida por culpa de la pedantería narcisista de su autor. Me queda la duda de si utilizando un formato panorámico normal hubiera conseguido la misma atención festivalera.

 

'JESÚS' de Fernando Guzzoni (Francia - Chile - Alemania - Grecia - Colombia) -87 min.-
Intérpretes: Nicolás Durán, Alejandro Goïci.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Santiago, Chile. Jesús, de 18 años, vive con su padre Héctor en un apartamento donde la televisión compensa su incapacidad para comunicarse. El resto del tiempo baila en un grupo de K-pop, sale con sus amigos y toma drogas, mira clips cutres y practica sexo en lugares públicos, buscando emociones fuertes. Una noche, las encuentra con sus amigos, cuando se ve envuelto en un incidente irreversible. Este acontecimiento unirá más que nunca a Jesús y a Héctor, pero también los separará para siempre.

'Jesús' es un drama sobre un adolescente sin rumbo envuelto en una reyerta que termina de forma trágica y que buscará refugio en la comprensión de su progenitor, con el que mantiene una relación distante. Dicho así podría hasta resultar interesante, pero nada más lejos de la realidad. La película es una sucesión vacía de imágenes con la cámara persiguiendo a su joven protagonista mientras disfruta de la noche, la fiesta, el alcohol y el sexo, todo ello mostrado de forma explícita y en primerísimos primeros planos que invitan al espectador a sentir de cerca las emociones del protagonista. La película del chileno Fernando Guzzoni, autor de 'Carne de Perro' (2012), premiada inexplicablemente en Nuev@s Director@s del Festival de San Sebastián de aquel año y seleccionada en más de 30 festivales por todo el mundo, vuelve a proponer un film sin contenido y gratuito que basa su existencia única y exclusivamente en la búsqueda de la polémica y el impacto fácil. Desde el título de reminiscencias religiosas hasta las secuencias detalladas de una felación, de masturbaciones entre homosexuales y de una brutal paliza a un adolescente, todo parece programado para sacudir la comodidad del espectador (el desfile de gente hacia la puerta de salida en el Kursaal fue antológico), pero sin un discurso narrativo detrás ni una historia suficiente que sostenga los 87 minutos de metraje que se hacen eternos. De hecho, el punto de inflexión en la historia llega cuando apenas resta media hora para finalizar y los pocos elementos que podrían haberla hecho interesante con el dilema del padre como principal argumento se nos plantean como cierre.

 

'LA RECONQUISTA' de Jonás Trueba (España) -108 min.-
Intérpretes: Francesco Carril, Itsaso Arana, Aura Garrido, Candela Recio, Pablo Hoyos.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Manuela y Olmo se reencuentran en un futuro que se habían prometido quince años antes, cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. A partir de esta premisa romántica, La reconquista es, en realidad, una película en busca del tiempo; o sobre la conciencia del tiempo: del tiempo perdido y del tiempo recuperado; sobre lo que recordamos de nosotros mismos y sobre lo que no recordamos; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos a los que seguimos guardando fidelidad, porque nos definen y nos interpelan en el presente, el pasado y el futuro.

'La Reconquista' es un drama romántico de corte independiente donde Jonás Trueba ahonda en su estilo narrativo y en su universo emocional de treintañeros que parecen sacados de su propio círculo de amigos. La película tiene momentos de gran belleza y verdad, especialmente cuando la mirada de la estupenda Itsaso Arana, que ya nos enamoró en la reivindicable 'La altas presiones' (Ángel Santos, 2014), es la protagonista de esa reconquista a que hace referencia el título, alejada de cualquier implicación histórica y centrada en la seducción del amor pasado y el despertar vital. El tono evocativo y melancólico le va como anillo al dedo a la película, pero el pequeño de los Trueba comete el error de alargar una historia para mediometraje a largo, utilizando para ello secuencias tan absurdas como incluir casi tres canciones íntegras de un concierto (por muy buenas que sean las letras de Rafael Berrio) con un mínimo movimiento escénico, un trayecto completo en moto del protagonista o un innecesario epílogo final que muestra el amor adolescente con chavales que se expresan como abuelos de 80 años. Jonás Trueba es, como tantos otros cineastas actuales, víctima de una generación digital que no tiene medida con la duración de los planos y secuencias, un perjuicio que evita que su nueva película fuera más redonda y que la emotividad de su discurso quede ensombrecido por el subrayado de brocha gorda. Pese a todo, en el recuerdo me quedo con los instantes de luz de ese reencuentro entre recuerdos nocturnos y miradas furtivas, y también con ese despertar breve de Aura Garrido en ese desayuno tan significativo y frío.

 

'LADY MACBETH' de William Oldroyd (Reino Unido) -89 min.-
Intérpretes: Florence Pugh, Cosmo Jarvis, Paul Hilton, Naomi Ackie, Christopher Fairbank.

(Sección Oficial)

Sinopsis: La Inglaterra rural de 1865. Katherine vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá conseguir lo que desea.

'Lady Macbeth' es un excelente drama de época que no se basa en la obra de Shakespeare sino que se trata de una adaptación libre (especialmente en su tramo final) de la novela corta 'Lady Macbeth de Mtsensk' del escritor ruso Nikolái Leskov que posteriormente fue convertida en ópera por Dmitri Shostakóvich junto a Aleksandr Preis. Nos encontramos, pues, ante una tragedia de corte shakesperiano, pero con la libertad de no ceñirse a su obra para describir el perfil psicológico de esta nueva Lady Macbeth, una mujer que sobrevive al aburrimiento y sometimiento de las leyes de la época, convirtiéndose en una despiadada y maquiavélica criatura que se mueve por impulsos pasionales egoístas. Tanto la descripción de esa mujer como la del entorno donde se mueve, están perfectamente captados por la cámara del debutante William Oldroyd, capaz de mantener el equilibrio perfecto entre su narración distante y el preciosisimo de sus encuadres, espléndidamente fotografiados tanto en interiores como en exteriores por Ari Wegner. La película describe con precisión quirúrgica la transformación emocional y moral de su protagonista, una maravillosa y sorprendente Florence Pugh. Tanto la actriz como la película merecían estar en el palmarés y para la mayoría de la crítica especializada estaban en sus quinielas, excepto para el Jurado, para nosotros os podemos decir que era la mejor película con diferencia vista en la Sección Oficial de este año. 'Lady Macbeth' coge lo mejor del cine de época y aunque su historia principal puede recordar a otras célebres obras, Oldroyd sabe imprimirle un acabado moderno, exteriorizar las pasiones ocultas con mayor descaro y otorgar un ritmo tenso y oscuro a su obra que la acercan al thriller, haciéndola accesible incluso a un público que no guste de ver este tipo de cine. 'Lady Macbeth' es una película altamente recomendable y su director un valor en alza a seguir de cerca.

 

'NOCTURAMA' de Bertrand Bonello (Francia - Alemania - Bélgica) -130 min.-
Intérpretes: Finnegan Oldfield, Vincent Rottiers, Hamza Meziani, Manal Issa, Martin Guyot, Jamil McCraven, Rabah Nait Oufella, Laure Valentinelli, Ilias Le Doré, Robin Goldbronn, Luis Rego, Hermine Karagheuz, Adèle Haenel.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza...

'Nocturama' es una interesante reflexión sobre el gérmen de la violencia más absurda, desde la óptica algo pedante y grandilocuente habitual del director Bertrand Bonello. Un film polémico que dividió a la crítica en San Sebastián. Y es que Bonello, autor de la vacía biografía del diseñador 'Saint Laurent' (2014) vista en Cannes y nominada en 10 categorías a los Césars, tiene un estilo bastante irritante para el espectador. Aquí abre su película con una sucesión de idas y venidas de los protagonistas caminando por la calle o subiéndose al metro, reiterativa e innecesariamente larga. Luego, durante sus más de horas de metraje, vuelve a repetir escenas y acciones de forma arbitraria o aún más discutible resulta su planificación del tiroteo utilizando distintas cámaras para recrearse desde varios puntos de vista de los hechos. Pero más allá de todas esas decisiones formales que durante la proyección nos harán fruncir el ceño, la película nos va sugeriendo un constante aroma de inquietud, frialdad y tensión que se nos enganchará al cuerpo, dejando a su finalización un poso que invita a la reflexión. Bonello plantea un discurso sobre la juventud perdida, la juventud de esa periferia del París más luminoso, una juventud sin objetivos reales en sus vidas y sin nada que perder, una juventud habitualmente de origen inmigrante y que no se siente parte de un país que reniega de sus orígenes. 'Nocturama' sigue a esos jóvenes normales que por la mañana son capaces de sembrar el terror en una ciudad y por la noche jugar como niños en el interior de un centro comercial que les ofrece tantas cosas que no suelen estar a su alcance. La palabra con la que termina la película "¡Ayudadme!" transciende el hecho concreto que sucede en el film y parece invitar al espectador a que cambie su forma de pensar y actuar con esa juventud a la que antes nos referíamos para evitar los hechos que se relatan.

 

'ORPHELINE / ORPHAN' de Arnaud Des Pallières (Francia) -111 min.-
Intérpretes: Adèle Haenel, Adèle Exarchopoulos, Solène Rigot, Gemma Arterton, Sergi López.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Cuatro momentos en las vidas de cuatro personajes femeninos. Una niña que vive en el campo y cuyo juego del escondite se convierte en tragedia. Una adolescente atrapada en una interminable sucesión de huidas, hombres y contratiempos, porque cualquier cosa es mejor que su desolado hogar familiar. Una joven que se muda a París y roza el desastre. Y finalmente una mujer adulta de éxito que se pensaba a salvo de su propio pasado. Poco a poco estos personajes se unen para formar una sola protagonista.

'Orpheline' es un morboso drama con historias cruzadas de chicas perdidas y progenitores ausentes, donde se propone un buen esbozo de secuencias dentro de un conjunto deslavazado y sin rumbo aparente. Drama exacerbado y sexual, plagado de primerísimos primeros planos, epidérmicos, que saca el mayor partido a sus jóvenes actrices, Adèle Haenel, Adèle Exarchopoulos, Solène Rigot y Gemma Arterton, todas espléndidas y entregadas a sus respectivos roles. El discurso de Arnaud Des Pallières, autor también del libreto junto a Christelle Berthevas, se dispersa y desparrama entre imágenes que mezclan belleza, intensidad dramática y, en muchos momentos, provocación gratuita. Su acogida en San Sebastián fue muy mala, tal vez demasiado, pero es difícil comprender la necesidad casi enfermiza de mostrar las miserias de las jóvenes protagonistas y su sometimiento sexual ante los hombres, siempre en un segundo plano y que salen bastante mal parados caracterizados como machistas y pederastas. 'Orpheline' es un film de mujeres sufridoras y necesitadas de cariño, varias historias que confluyen en una sola, en búsqueda de la exploración de la psicología y la sexualidad femenina, pero con una tendencia tremendista y ampulosa que la perjudica para conectar con el público.

 

'PLAC ZABAW / PLAYGROUND' de Bartosz M. Kowalski (Polonia) -82 min.-
Intérpretes: Michalina Swistun, Nicolas Przygoda, Przemek Balinski.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Último día de colegio en una pequeña ciudad polaca. Es la última oportunidad para Gabrysia, de 12 años, de declararse a un compañero de clase. Gabrysia organiza una cita secreta y chantajea al objeto de su amor para que se presente. Pero lo que se esperaba que fuera una charla íntima se descontrola y conduce a un final inesperado. La película, más allá de plantear una pregunta obvia —¿qué se esconde tras los crímenes cometidos por niños?—, cuestiona si somos realmente capaces de encontrar una respuesta.

'Playground' es un drama sobre la violencia infantil que fue vapuleado en San Sebastián de forma absurda por una parte de la crítica y del público que abandonó en masa las salas. Es cierto que la película es parcialmente fallida y que tiene algunos elementos discutibles en su puesta en escena, pero sorprende que muchos se desgarren las vestiduras por su secuencia final, tachándola de gratuita y malsana cuando precisamente lo que busca es reflexionar sobre el hecho que se le critica. 'Playground' no es para nada gratuita, puede que no sea una gran película y que las reflexiones que ofrece su planteamiento no estén expresadas de la mejor manera, pero el debate está servido. Para mi la violencia gratuita es cuando una película se sirve de ella para regocijarse, por mero disfrute o exhibicionismo de su autor, sin nada que la justifique en su historia o que la haga necesaria para el desarrollo de lo que explica. En 'Playground' el famoso y largo plano-secuencia donde se muestra la violencia más cruel, respeta la distancia de los hechos para no herir sensibilidades y es necesaria para la propia existencia de la película porque trata de "eso", es la razón por la que el polaco Bartosz M. Kowalski se haya puesto tras las cámaras para contarnos su historia. Mucho más gratuitas me parecieron otras secuencias vistas en otras películas de la Sección Oficial como las de 'Jesús' (Fernando Guzzoni), por ejemplo, y que no levantaron tantas ampollas, tal vez, porque en esta película que nos ocupa la gente se sensibiliza más por estar protagonizada por niños. De 'Playground' me interesa su fondo, su invitación a la reflexión sobre la violencia infantil, violencia que nos rodea, que está presente en los colegios y en las calles, por mucho que queramos cerrar los ojos. Aquí se muestra como un juego, como algo para hacer cuando se está aburrido, pero también se ofrecen detalles en las vidas de esos niños cargados de responsabilidades como si fueran adultos para darnos un toque de atención sobre como se incuba el huevo de la serpiente en nuestra sociedad actual.

 

'QUE DIOS NOS PERDONE' de Rodrigo Sorogoyen (España) -126 min.-
Intérpretes: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Luis Zahera, Raúl Prieto, María de Nati, María Ballesteros, José Luis García-Pérez, Mónica López, Rocío Muñoz-Cobo, Teresa Lozano, Francisco Nortes, Andrés Gertrúdix.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Madrid, verano de 2011. Crisis económica, movimiento 15-M y un millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores Velarde y Alfaro deben encontrar a lo que parece ser un asesino en serie. Esta caza contra reloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

'Que Dios nos Perdone' es un thriller español, un género muy de moda por aquí, que fue acogido estupendamente por la crítica y público de San Sebastián, obteniendo la Concha de Plata al Mejor Guion para el tándem formado por Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, además de los Blogos de Oro que otorgaron los medios digitales desplazados al Festival y del que nosotros formamos parte como Jurado, aunque debo reconocer que fui de los pocos que no la votó. Los motivos son claros, por ejemplo, la película abusa de los lugares comunes del género y utiliza una pareja de detectives típica de las Buddy Movies, el poli bueno y rarito junto al poli malote y violento, pero que se complementan y acaban respetándose, interpretados por Antonio de la Torre y Roberto Álamo, respectivamente, que pese a entregarse en cuerpo y alma a sus personajes, no pueden evitar un exceso de sobreactuación en algunos momentos, especialmente innecesario resulta el tartamudeo del primero para afianzar sus problemas de comunicación con el resto de personas. Aplaudimos a Sorogoyen con su anterior obra 'Stockholm' (2013), un pequeño y soprendente drama romántico con giro inesperado, pero creemos que aquí no está tan acertado y no logra impregnar de una personalidad propia y distintiva a todo su relato, caminando sobre las huellas trilladas de otros muchos que ya nos contaron películas parecidas sobre psicópatas con piel de cordero y policías que hubieran podido serlo sin el refugio de la placa y su necesidad de justicia. Entretenida y eficaz, especialmente cuando el director se adentra en las secuencias de más acción e intriga, pero pierde el ritmo y la atmósfera de tensión en los momentos más íntimos, sin acabar de convencer en su perfilado de algunos personajes.

 

'IKARI / RAGE' de Lee Sang-il (Japón) -144 min.-
Intérpretes: Ken Watanabe, Mirai Moriyama, Kenichi Matsuyama, Go Ayano, Suzu Hirose, Aoi Miyazaki, Satoshi Tsumabuki.

(Sección Oficial)

Sinopsis: En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

'Ikari / Rage' es un fallido thriller japonés de historias cruzadas que se inicia con una secuencia que parece extraída de 'Seven' (David Fincher, 1995), pero que finalmente se decanta más por el melodrama. Esa indecisión en volcarse hacia el cine de género, el excesivo metraje y las constantes trampas de guion (especialmente en su parte final), lastran el que la tensión del relato vaya en aumento. La película propone tres historias paralelas de relaciones personales que se presentan de forma caótica durante el primer tramo del relato, haciendo que sea incluso difícil seguirlas. Cuando la narración se asienta y necesita profundizar en la psicología de sus personajes, iremos descubriendo matices en ellos que nos empezarán a interesar, pese a que los saltos de una a otra historia suelen ser bastante abruptos. Todos ellos son personajes solitarios que están huyendo de su pasado y que buscan refugio en los brazos de un amante, en la sonrisa de una joven o en la aceptación de una familia, porque 'Ikari' es una película sobre la confianza y sobre la pérdida de la misma. Pero la forma arbitraria que tiene Lee Sang-li de acometer la trama criminal que sirve de nexo a todas esas historias y algunos aspectos de su resolución que no puedo comentar sin hacer spoilers decepcionan (como la planificación de las secuencias que muestran de soslayo al asesino para invitar al espectador a descubrirlo, utilizando algunas artimañas poco elegantes).

 

'SNOWDEN' de Oliver Stone (EEUU - Alemania - Francia) -132 min.-
Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Nicolas Cage, Melissa Leo, Rhys Ifans.

(Sección Oficial - Fuera de Concurso)

Sinopsis: Cuando Edward J. Snowden desveló los documentos del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA, abrió los ojos del mundo y cerró las puertas de su propio futuro, renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida y a su patria. ¿Qué le llevo a perpetrar el mayor caso de divulgación de documentos clasificados de la historia?

'Snowden' es un biopic sobre el conocido analista de los servicios de inteligencia norteamericanos que destapó las prácticas de espionaje y vulneración de la privacidad sobre los ciudadanos de a pie que llevaba cometiendo el gobierno estadounidense a través de internet y el resto de nuevas tecnologías a su alcance, abanderando el control de la seguridad del país, especialmente después de los trágicos atentados del 11-S. La película muestra a modo biográfico y con más serenidad de lo que es habitual en Oliver Stone, todos los hechos que llevaron a Snowden a perder su libertad y ser tratado como un espía ruso al revelar toda la información que tenía en su poder a unos periodistas durante su estancia de incógnito en un hotel de Hong Kong. Quien haya visto el multipremiado documental 'Citizenfour' (Laura Poitras, 2014), tendrá en la retina gran parte de lo que ahora nos vuelve a contar Stone. La película es algo rutinaria, aunque busca la emoción y el suspense dentro de los márgenes que ofrece la historia en que se basa y, además, permite al director incidir en su contradictorio discurso contra los Estados Unidos y sus gobernantes, mostrándose siempre como un azote contra las injusticias que se cometen en su país, pero dejando también siempre un resquicio por donde cuela su patriotismo y orgullo que eleva los valores auténticos sobre los que debe regirse su país. 'Snowden' es un film correcto que no destacará en la filmografía de Stone, pero que nos deja una brillante actuación de Joseph Gordon-Levitt que se mimetiza, incluso en la voz, con Snowden (al que se reserva hasta una aparición estelar final).

 

'JÄTTEN / THE GIANT' de Johannes Nyholm (Suecia - Dinamarca) -90 min.-
Intérpretes: Christian Andrén, Johan Kylén, Anna Bjelkerud , Linda Faith, Moa Malan.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Rikard es un autista con deformidades graves que fue separado de su madre al nacer. Treinta años despues, está convencido de que su madre volverá con él si gana el campeonato de petanca de Escandinavia. Su frágil físico y un entorno hostil y criticón no van a conseguir pararlo. Además, cuenta con la ayuda de un gigante de 60 metros...

'The Giant' es un melodrama curioso y extraño, pero al tiempo naïf e ingenuo, sobre un hombre deforme que intenta recuperar el amor de su madre siendo un campeón de petanca. Con una sinopsis tan inusual y si añadimos el elemento fantástico de la aparición de un gigante que viene a ayudarle, aunque en realidad está solo en la mente del protagonista, nos encontrábamos frente a una de las películas más intrigantes de esta Sección Oficial. Lamentablemente, pese a sus buenas intenciones, se trata de una propuesta inofensiva y que argumentalmente no elude en ningún momento el tono telefilmero. Tampoco resulta novedosa ni atractiva ni siquiera en la plasmación visual del mundo fantástico que habita la cabeza del bonachón protagonista, resultando más kitsch que otra cosa. 'The Giant' se deja ver por su tono amable y tierno, consiguiendo en ex-aequo el Premio Especial del Jurado, supongo que para compensar la cantidad de propuestas que basaban este año su discurso en la violencia, pero no deja de ser un film menor y menos arriesgado de lo que prometía su argumento. Tal vez, si hubiera explotado más su capacidad fantasiosa y hubiera apostado por la extraño, hubiera resultado más sugerente, pero que el clímax dramático y más emocionante de la película se sitúe en un campeonato de petanca no parece que vaya apasionar a mucha gente. Eso sí, la banda sonora al más puro estilo western se te mete en la cabeza y la sigues escuchando horas más tarde.

 

'EIÐURINN / THE OATH' de Baltasar Kormákur (Islandia) -110 min.-
Intérpretes: Baltasar Kormákur, Hera Hilmar, Gisli Orn Gardarsson, Margret Bjarnadottir.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Finnur es un cardiocirujano de éxito y tiene dos hijos. Su vida familiar empieza a complicarse cuando su hija Anna inicia una relación con un traficante de drogas muy manipulador. Como el control del novio sobre Anna y sobre toda la familia es cada vez más estrecho, Finnur se ve obligado a tomar medidas drásticas.

'The Oath' es un thriller contundente y seco, a veces inverosímil y exagerado, cuya mayor virtud es que resulta entretenido de principio a fin, pero que sin embargo no contiene ninguna sorpresa narrativa ni argumental, asemejándose a cualquier film de acción de la cartelera con la venganza como "leit-motiv". Tampoco obtiene las reflexiones morales que en algún momento parece apuntar y que hubieran podido emparentarla con films tan notables como 'Prisioneros' (Denis Villeneuve, 2013), todo termina reduciéndose en un desenlace bastante insatisfactorio. Pese a sus defectos, el film tiene bastante ritmo y la dirección de Baltasar Kormákur es efectiva, también es el co-guionista y el propio protagonista, así que ha hecho un producto a su medida para mostrar ese descenso a los infiernos de la violencia de un cirujano padre de familia. Sorprende un poco ver este film compitiendo en Sección Oficial por el hecho de no aportar nada especial al género, pero su nefasta acogida por parte de la crítica festivalera se me antoja excesiva.

 

'L'ODYSSÉE / THE ODYSSEY' de Jérôme Salle (Francia-Bélgica) -122 min.-
Intérpretes: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou.

(Sección Oficial - Clausura Fuera de Concurso)

Sinopsis: El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.

'L'Odyssée' es un biopic rutinario sobre la vida del mítico explorador submarino Jacques Cousteau y su familia, donde los clarosocuros del personaje se destiñen bajo las aguas cristalinas de los océanos que explora, encaminando la película hacia un tramo final de mensaje ecologista algo simplista. La película contiene imágenes bellísimas de los descubrimientos y hallazgos efectuados en las distintas misiones y funciona bien en la superficie de la trama, en la exposición de los hechos y en la caracterización de los personajes que rodean al aventurero, un correcto Lambert Wilson, pero se queda a medio camino en la profundización de los mismos y pasa de puntillas por los hechos más controvertidos de la trama. De ese modo queda relegado a un segundo término el personaje de la mujer interpretado por Audrey Tautou y el de uno de los hijos, Jean-Michel, mientras que cobra mayor protagonismo el del otro hijo, Philippe, interpretado por uno de los actores franceses emergentes con más futuro, Pierre Niney, siendo el suyo el personaje más interesante de toda la película. 'L'Odyssée' es una película de fácil visionado, interesante por el personaje en que se basa, pero insuficiente en cuanto a una realización demasiado convencional y con aires televisivos.

 

'YOURSELF AND YOURS' de Hong Sang-soo (Corea del Sur) -86 min.-
Intérpretes: Kim Joo-hyuck, Lee You-young.

(Sección Oficial)

Sinopsis: El pintor Youngsoo se entera de que su novia, Minjung, se tomó unas copas con otro hombre y se peleó con él. Esa noche discuten y Minjung sale de casa, diciendo que no deberían verse durante algún tiempo. Al día siguiente, Youngsoo va en su busca, pero no consigue encontrarla. Mientras tanto, en Yeonnam, donde él vive, Minjung, o una mujer que es idéntica a ella, tiene citas con distintos hombres. Youngsoo vaga por las calles y lucha consigo mismo, que es lo mismo que luchar contra el mundo.

'Yourself and Yours' es una comedia surcoreana con la que resulta bastante difícil conectar si no se conoce de antemano el cine de Hong Sans-soo. La película obtuvo la Concha de Plata a la Mejor Dirección, algo bastante discutible si se tiene en cuenta el carácter casi experimental de algunas secuencias donde la cámara se mantiene inerte y poco descriptiva frente a la verborrea de los personajes protagonistas, incluyendo algunos inapropiados zooms ochenteros que sería imposible admitir si fueran realizados por un autor principiante con menos respaldo crítico. No en vano, el propio autor reconoce que suele escribir o modificar los diálogos el mismo día del rodaje y que hasta la mitad del mismo no sabe muy bien lo que quiere contar. La película propone un juego de repeticiones, una sucesión de secuencias donde los personajes se desdoblan en varios para mostrar distintas caras de su personalidad y de afrontar las situaciones por las que atraviesan, mostrando realidad y ficción con un mismo prisma, también verdad y mentira. Con un tono distendido y sin solución de continuidad, los personajes se cruzan, se encuentran o se rehuyen mientras conversan, comen, beben, beben y vuelven a beber. A ratos divertida, a ratos confusa, se trata de una película surcoreana con algunas claves demasiado alejadas para el espectador occidental.

 

 

PROYECCIONES PREMIO DONOSTIA

'BORN TO BE BLUE' de Robert Budreau (Canadá-Reino Unido) -97 min.-
Intérpretes: Ethan Hawke, Carmen Ejogo, Callum Keith Rennie, Stephen McHattie, Janet-Laine Green.

(Sección Proyecciones Premio Donostia)

Sinopsis: Born to be Blue no es un biopic tradicional, sino un intento por reimaginar la vida del trompetista de jazz Chet Baker durante la década de los 60. Mientras rueda una película sobre sí mismo, Chet comienza un romance con la coprotagonista afroamericana de la película, Jane. El pasado vuelve para acosar a Chet y la producción queda aparcada. Cuando parece que ya nunca volverá a tocar, Jane le reta a no consumir y montar un musical, contra todo pronóstico.

'Born to be Blue' es un atípico y excelente biopic sobre la vida del genial trompetista Chet Baker. Este film dirigido por Robert Budreau lucha constantemente por alejarse de los estereotipos biográficos de los films basados en personajes reales y también huye del formato televisivo para el que fue concebido, consiguiendo ambos retos durante la mayor parte del tiempo. Esa lucha del cineasta por conservar la pureza de su obra, entronca a la perfección con la propia lucha del músico, interpretado de manera convincente y brillante por Ethan Hawke, por sobrevivir a sus propios miedos e inseguridades en el apasionante pero también cruel mundo de la música. La película toma algunos pasajes reales de la biografía de Baker, pero obvia otros igualmente importantes, por tanto, no se trata como decíamos de un biopic exhaustivo de la vida y obra del trompetista (de hecho, suena muy poca música original), sino que se prefiere realizar un acercamiento al personaje que había detrás del músico, parcial e incompleto, basándose principalmente en su relación sentimental con una mujer que le intenta ayudar a superar su adicción a las drogas. Hawke está espléndido y se entrega de tal manera al personaje, que en algunos momentos lo mimetiza a la perfección, realizando el que posiblemente sea el mejor trabajo de toda su carrera. Su sensibilidad al acercarse al lado más oscuro de Chet Baker, lo humaniza sin juzgarlo, convirtiendo la melancolía de su notas musicales en el cobijo de sus imperfecciones y demonios interiores. El film hubiera podido ir más allá, pero finalmente deja el mismo regusto satisfactorio que nos queda cuando escuchamos uno de los viejos discos de Chet Baker, con esa voz rota y vencida, casi desafinada, punteada por el inolvidable sonido nocturno de su trompeta.

 

'THE MAGNIFICENT SEVEN' de Antoine Fuqua (Estados Unidos) -132 min.-
Intérpretes: Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Vicent D´Onofrio, Byung - Hun Lee, Peter Sarsgaard.

(Sección Proyecciones Premio Donostia)

Sinopsis: Cuando el tranquilo pueblo de Rose Creek queda bajo el control letal del industrial Bartholomew Bogue (Peter Sarsgaard), los desesperados habitantes del lugar contratan la protección de siete forajidos, cazarrecompensas, tahúres y sicarios: Sam Chisolm (Denzel Washington), Josh Farraday (Chris Pratt), Goodnight Robicheaux (Ethan Hawke), Jack Horne (Vincent D'Onofrio), Billy Rocks (Byung-Hun Lee), Vasquez (Manuel García Rulfo) y Red Harvest (Martin Sensmeier). Mientras preparan el pueblo para la violenta confrontación que saben se avecina inevitablemente, estos siete mercenarios se encontrarán luchando por algo más que el simple dinero.

'The Magnificent Seven' es la decepcionante puesta al día del clásico del western 'Los Siete Magníficos' (John Sturges, 1960), que a su vez era un remake libre de la japonesa 'Los Siete Samuráis' (Akira Kurosawa, 1954). Este nuevo film de Fuqua no aporta nada y, pese que se respira su admiración y respeto por el género del western clásico, confunde la épica con el ruido y la emoción con el espectáculo de feria. Se esperaba más que una sucesión de tiros por parte del autor de la magnífica y tensa 'Training Day (Día de entrenamiento, 2001)' en su unión con el guionista de la mítica 'True Detective' (2014), Nic Pizzolatto, pero aquí los personajes se alejan de toda ambiguedad moral y son de cartón-piedra, convertidos en un desfile variopinto que los caracteriza por el físico y no por la descripción psicológica de los mismos. La película resultará entretenida para los espectadores menos exigentes y para los nostálgicos del western en pantalla grande, pero dejará fríos a los que busquen una historia elaborada que huya de los tópicos y escenas de acción que vayan más allla de un tiroteo sin fin (el que haya visto la película de Kurosawa recordará como toda la parte final se plantea como una estrategia de guerra para que un grupo reducido pueda vencer poco a poco a un grupo mayoritario y más preparado). En definitiva, 'The Magnificent Seven' es un rutinario remake palomitero para las nuevas generaciones que desconozcan sus precedentes, pero desperdicia la ocasión de ofrecer un gran espectáculo que devuelva al género un protagonismo olvidado en la actualidad como en su momento logró Clint Eastwood con 'Sin Perdón' (1992).

 

 

SECCIÓN HORIZONTES LATINOS

 

'EL AMPARO' de Rober Calzadilla (Venezuela - Colombia) -99 min.-
Intérpretes: Vicente Quintero, Giovanny García, Vicente Peña, Samantha Castillo, Rossana Hernández, Tatiana Mabo.

(Sección Horizontes Latinos)

Sinopsis: En la frontera de Venezuela con Colombia, a finales de los 80, dos hombres sobreviven a un ataque armado perpetrado en los caños del Río Arauca, donde catorce de sus compañeros mueren en el acto. El ejército los acusa de guerrilleros y, a través de intimidación, intenta sacarlos de la celda donde son custodiados por un policía y por la gente del pueblo, que trata desesperadamente de impedir que se los lleven. Ellos dicen que son simples pescadores, pero las presiones para ceder ante la versión oficial son abrumadoras.

'El Amparo' es un drama basado en hechos reales sobre una masacre que cometió por error el ejército y la policía venezolana, durante el gobierno de Jaime Lusinch, confundiendo a unos pescadores con un grupo guerrillero. La película narra con sobriedad el calvario de los dos supervivientes para demostrar su inocencia en los hechos que se les imputó, pese a las presiones políticas y militares, mientras deben permanecer encerrados en una celda custodiada por un policía del pueblo. 'El Amparo' saca a relucir los hechos con un cine directo, sencillo y efectivo, esquivando el melodrama, pero planteando los vericuetos de la verdad y lo difícil que es defenderla desde la humildad ante los poderes fácticos, incluso ante tu familia y gente cercana. Buenas interpretaciones del elenco, en este drama tenso que gana fuerza a medida que avanza, sin inventar nada, pero con una narración sólida que se centra en lo que importa y, de paso, plantea algunas cuestiones éticas sobre las que reflexionar, como la corrupción del poder como una maquinaria armada para divulgar una mentira o la necesidad de defender la verdad como única arma para conservar la dignidad personal.

 

'EL REY DEL ONCE' de Daniel Burman (Argentina) -79 min.-
Intérpretes: Alan Sabbagh, Julieta Zylberberg, Elvira Onetto.

(Sección Horizontes Latinos)

Sinopsis: Ariel cree haber dejado atrás su pasado tras construir una nueva y exitosa vida como economista en Nueva York. Convocado por su padre, cuya misión en la vida es dirigir una fundación judía de ayuda en el barrio del Once, vuelve a Buenos Aires. Allí conoce a Eva, una mujer muda e intrigante que trabaja en la fundación. La visita coincide con la fiesta judía del Purim, una ocasión para celebrar que forma el subtexto de una comedia de errores, encuentros, y reflexión en la medida en que no siempre podemos dejar atrás nuestro pasado.

'El Rey del Once' es una peculiar y localista comedia dramática argentina, de sencilla construcción, pero de acceso más complicado para el espectador que no conozca algunos elementos importantes dentro del film. La historia se desarrolla en el Once, la manera coloquial con la que se denomina el barrio de Balvanera de la ciudad de Buenos Aires. Allí se concentran viviendas y pequeños comercios de bajo coste donde acude la gente humilde, conformando un submundo bastante caótico y estresante para el que no sea de la zona. También, se caracteriza por concentrar a gran parte de la comunidad judía, impregnando los rincones del barrio con su cultura y costumbres. Todo ello confluye en la película y se explica a través de los ojos del protagonista, un joven nacido en la zona pero que ha rehecho su vida lejos de allí, de manera que su regreso a ese universo extraño y al tiempo atrayente, le producirá un impacto emocional y neuronal que coincidará, en parte, con el punto de vista del espectador al que le costará un buen rato interesarse por la trama ante la falta de comprensión de lo que sucede en la pantalla. A medida que el protagonista se vaya adaptando a ese mundillo y sintiéndose parte de él, con atípica historia de amor incluida, el espectador también lo hará e irá descubriendo algunas claves por las que se rige, aunque se unirá la complejidad en el espectador no judío de entender las costumbres del colectivo. Se trata, pues, de una película interesante para el que tenga la paciencia de mirar con ojos foráneos que le harán perderse entre las "cuadras del Once" y encontrarse puntualmente en medio de la ligereza de la comedia que sobrevuela constantemente el relato, con lo satisfactorio y positivo que siempre resultan los descubrimientos.

 

 

SECCIÓN ZABALTEGI - TABAKALERA

 

'MIDNIGHT SPECIAL' de Jeff Nichols (Estados Unidos) -111 min.-
Intérpretes: Michael Shannon, Joel Edgerton, Kirsten Dunst, Adam Drive, Jaeden Lieberher, Sam Shepard.

(Sección Zabaltegi-Tabakalera Fuera de Concurso)

Sinopsis: Lo que comienza como una carrera para escapar de extremistas religiosos y de la policía local se convierte rápidamente en una persecución a escala nacional en la que están involucrados los más altos niveles del Gobierno Federal. Roy es un padre desesperado que se arriesga a todo para proteger a Alton, su hijo de ocho años y para ayudar a que se cumpla un destino que podría cambiar el mundo para siempre en esta película que desafía a los géneros cinematográficos y que es a la vez sobrehumana e íntima.

'Midnight Special' es un film de ciencia-ficción, pero en manos de su guionista y director Jeff Nichols, tal y como ya hizo con 'Take Shelter' (2011), su mejor obra hasta la fecha, se reconvierte en un drama intimista protagonizado por un hombre, en ambos casos el actor Michael Shannon, que debe enfrentarse a un hecho extraordinario y luchar ante la adversidad por mantener su convicción contra los demás y contra su propia cordura. En 'Midnight Special' sobrevuelan constantemente elementos argumentales del cine de Serie B, ese de las sesiones de medianoche o de autocine, pero su impecable factura técnica, su aire tenso de tragedia y el destierro del humor casposo que podía haber surgido, lo alejan de ese tipo de films de puro entretenimiento, buscando una mayor transcendencia para su obra, con la característica cadencia apesadumbrada de su cine. El film se sigue con atención, pero no es para nada redondo. El cine de Nichols es a menudo demasiado reiterativo y alarga en exceso sus interesantes premisas argumentales, sin que quede justificada esa dilatación temporal para una mejor descripción psicológica de sus personajes, de los que oculta conscientemente algunas claves. 'Midnight Special' es un drama de aventuras, también una road-movie, también un homenaje al cine de ciencia-ficción de nuestra infancia, sólo por todo eso ya merece nuestro visionado y si encima junto a Shannon en el reparto aparecen unos fantásticos Joel Edgerton, Sam Shepard y Kirsten Dunst, pues mejor.

 

'WIENER-DOG' de Todd Solondz (Estados Unidos) -89 min.-
Intérpretes: Kieran Culkin, Danny DeVito, Ellen Burstyn, Greta Gerwig, Julie Delpy.

(Sección Zabaltegi-Tabakalera)

Sinopsis: Wiener-Dog cuenta varias historias sobre personas cuyas vidas se ven inspiradas o cambian gracias a un perro salchicha que al parecer difunde un cierto tipo de consuelo y alegría. El mejor amigo del hombre empieza enseñando a un niño varias retorcidas lecciones vitales antes de ser acogido por una veterinaria llamada Dawn Wiener. Dawn se reencuentra con alguien de su pasado y emprende un viaje en coche recogiendo por el camino a varios mariachis deprimidos. Después el perro salchicha se encuentra con un profesor de cine a la deriva y con una amargada anciana y su caprichosa nieta, todos necesitados de algo.

'Wiener-Dog' es una marcianada bastante curiosa, pero también muy irregular. Tomando como eje argumental a un perro salchicha, se nos muestras a una serie de personajes variopintos y excéntricos que se encargan de cuidarlo durante todo su periplo vital. Entre la ironía y el post-humor se mueve el inclasificable Todd Solondz, 'enfant terrible' del cine independiente estadounidense que ya sacudió conciencias con sus primeras obras 'Bienvenidos a la Casa de Muñecas' (1995) y 'Happiness' (1998) y que aquí consigue una obra entrenida, pero tal vez menos lúcida. La excusa del perro salchicha le sirve para proponer un calidoscopio de personajes solitarios, patéticos y necesitados, un reflejo mordaz de la sociedad actual y sus incapacidades para comunicarse eficazmente con sus semejantes. La película se divide en cuatro historias sin relación aparente protagonizadas por actores del calibre de Julie Delpy, Danny DeVito (estupendo), Ellen Burstyn o Greta Gerwig, que se someten sin tapujos a la cámara inquisidora y absurda de Solondz, capaz de hacer cosas tan inesperadas como un travelling por encima del rastro dejado por la diarrea del perro mientras suena el 'Claro de Luna' de Debussy. 'Wiener-Dog' es cine 'indie' para espectadores curiosos a los que les guste excarvar en historias aparentemente estúpidas y encontrar algunas buenas dosis de humor, cine y reflexión.

 

 

SECCIÓN NUEV@S DIRECTOR@S

 

'LUMIÈRES D'ÉTÉ - NATSU NO HIKARI / SUMMER LIGHTS' de Jean-Gabriel Périot (Francia) -83 min.-
Intérpretes: Hiroto Ogi, Akane Tatsukawa, Yuzu Horie, Keiji Izumi, Mamako Yoneyama.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Akihiro, un cineasta japonés que vive en París, vuelve a Japón a entrevistar a supervivientes para un documental conmemorativo del 70 aniversario de la bomba atómica de Hiroshima. Profundamente conmovido por las entrevistas, decide tomarse un descanso, y deambulando por la ciudad, conoce a Michiko, una joven alegre y enigmática. Michiko se lo lleva en un improvisado y alegre recorrido desde la ciudad hacia el mar, donde los horrores del pasado se mezclan con la simplicidad del presente.

'Lumières d'Été' es un bellísimo y necesario canto a la conservación de la memoria histórica, realizado con extrema sensibilidad y en una película que combina ficción y realidad tanto en el plano argumental y como en el formal. La película se inicia con 20 minutos de una entrevista en falso documental a una superviviente del bombardeo a Hiroshima donde la anciana explica con detalle y naturalidad su dolorosa vivencia en primera persona. A esa entrevista asiste un director de documentales que la graba con su cámara, en realidad el protagonista de la ficción de la película, un japonés que lleva viviendo muchos años en el extranjero. Cuando termina la grabación, sale conmocionado a pasear por la ciudad y reflexionar sobre lo escuchado. Durante su paseo conocerá a una joven con la entablará amistad, al tiempo que le mostrará la Hiroshima actual, una ciudad llena de vida y felicidad, pero cimentada sobre los horrores del pasado que siguen latentes y ocultos en cada uno de los rincones. Son recuerdos imborrables para las nuevas generaciones que sirven para honrar a los muertos de las pasadas y la mejor formar de hacerlo es disfrutar del presente en toda su intensidad. Jean-Gabriel Périot, parece ir mutando su narración desde ese falso documental hacia el drama romántico, pero finalmente convierte su película en un espacio donde fantasía y realidad, pasado y presente, o tradiciones y nuevos tiempos, son parte de una misma cosa, nuestra existencia. Esa enseñanza le sirve al protagonista para conocer mejor sus raíces y, por tanto, su verdadero yo. Una pequeña joyita que pasó desapercibida para gran parte de la crítica desplazada a San Sebastián.

 

'MARÍA (Y LOS DEMÁS)' de Nely Reguera (España) -96 min.-
Intérpretes: Bárbara Lennie, José Ángel Egido, Rocío León, Pablo Derqui, Vito Sanz, Julián Villagrán, María Vázquez, Aixa Villagrán, Marina Skell, Xulio Abonjo, Miguel de Lira.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Desde que murió su madre cuando ella tenía quince años, María ha cuidado de su padre y de sus hermanos. Responsable y controladora, siempre ha sido el pilar de la familia y se siente orgullosa de ello. Por eso, cuando su padre se enamora repentinamente de su enfermera y anuncia su inminente compromiso, María siente que su vida se desmorona. Con 35 años e incapaz de encontrar una pareja estable, deberá atreverse a cambiar su destino.

'María (y los demás)'' es una estupenda comedia dramática, sencilla y tierna, pero realizada con la suficiente sensibilidad para que nos atrape en su retrato de personajes cotidianos y con los que le resultará fácil a cualquier espectador identificarse. Film sobre la (in)madurez emocional, sobre los vínculos familiares y sobre la valentía de vivir sin ocultar quienes realmente somos. De apariencia ligera, pero no exenta de profundidad y emotividad, 'María (y los demás)' es una de esas joyitas que perduran en la memoria, desde su descriptivo cartel hasta los créditos finales. ¿Se puede ser más natural y guapa que Bárbara Lennie? Pues no, esta película no sería la misma sin ella. La actriz interpreta a una treintañera que asume responsabilidades con los demás para no tener que tomar decisiones vitales que le afecten a ella misma, es una de esas niñas grandes que debe aprender afrontar con valentía su vida, sin miedo a equivocarse. Lennie aborda su personaje desde la cercanía y desde la verdad, para regalarnos una interpretación brillante y sincera, sin grandes alardes, no los necesita. Está bien acompañada por buenos secundarios, donde destaca la secuencia de María Vázquez. El texto de Nely Reguera es divertido y clarividente, maneja el equilibrio entre drama y comedia como una veterana, pese a tratarse de su primer largo, y como directora extrae lo esencial de ese texto y lo transmite de forma directa y delicada, sin florituras innecesarias, habrá que estar muy pendiente de sus nuevos trabajos. Una pequeña película que se hace grande, muy recomendable, de lo mejor que vimos en esta edición del Festival.

 

'PINAMAR' de Federico Godfrid (Argentina) -85 min.-
Intérpretes: Juan Grandinetti, Agustín Pardella, Violeta Palukas, Lautaro Churruarín.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Dos hermanos vuelven a Pinamar después de la muerte de su madre para darle su último adiós y vender el apartamento familiar. Mientras que Pablo quiere terminar lo antes posible, Miguel quiere disfrutar de la visita. Durante su estancia en Pinamar el pasado vuelve a la vida a través de Laura, una vieja amiga de Miguel que les gusta a los dos, y mientras tratan de conquistarla, redescubren su relación y se dan cuenta de que cada final es siempre el comienzo de algo nuevo.

'Pinamar' es una de esas películas que funcionan como un reloj, pese a que nos la sabemos de memoria de principio a fin. El film trata sobre los recuerdos, los vínculos sentimentales y el proceso de la aceptación de la pérdida. Con un tono desencantado y melancólico, seguimos los vaivenes emocionales de dos hermanos cuando regresan al que había sido su hogar de la infancia. El choque de ambos con un pasado que ya no va a volver y los recuerdos familiares, producirán una distinta manera de afrontarlo, algo necesario y doloroso para poder encaucar un nuevo camino en el futuro de sus vidas. La adaptación vendrá amenizada con la apariciion de una vieja amiga, con la que iniciarán un inevitable y previsible triángulo amoroso. La narrativa de Federico Godfrid en sencilla, pero efectiva, utilizando un ritmo pausado y contemplativo necesario para centrarse en los detalles y hacer evolucionar a sus personajes adecuadamente. 'Pinamar' es perfecta en lo que quiere contar y en como lo cuenta, su único problema es que la historia de fondo nos la sabemos, la hemos visto un millón de veces y nos será fácil adelantarnos a cada uno de los acontecimientos que se van sucediendo en la pantalla, es de esas películas que a medida que las ves tienes la sensación de que ya la habías visto antes. Aún así, la película la disfruté y deja entrever un director con futuro.

 

'PORTO' de Gabe Klinger (Portugal - Francia - EEUU) -75 min.-
Intérpretes: Lucie Lucas, Anton Yelchin, Paulo Calatré, Françoise Lebrun.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Jake (Anton Yelchin) y Mati (Lucie Lucas) son dos extraños en la ciudad portuguesa de Porto que una vez tuvieron una breve conexión. El misterio en torno a los momentos que compartieron permanece, y en la búsqueda a través de sus recuerdos, reviven las profundidades de una noche sin inhibiciones.

'Porto' es un bellísimo drama romántico que pasó desapercibido inmerecidamente por el Festival de San Sebastiian. La película combina distintos formatos cinematográficos, el scope de los 35 mm. para mostrar la relación de los dos amantes, el 16 mm. para cuando vagan en soledad o el Súper-8 para mostrar sus recuerdos. Todo ello le da un toque visual muy particular al film, muy "indie", que muestra las calles de Oporto como a un personaje más, con una magnífica fotografía de Wyatt Garfield, extrayendo belleza de cada rincón y de cada encuadre, convertido en el marco perfecto para la triste y realista historia de amor y desamor que se nos explica. Es cierto que hay frases en los diálogos demasiado grandilocuentes, no en vano está producida por el cineasta Jim Jarmusch y su impronta en el film está clara, ¿acaso no había frases parecidas en su historia de amor vampírica 'Only Lovers Left Alive' (2013)?. Gabe Klinger se confirma, en su primer largo de ficción, como un alumno aventajado, con un estilo narrativo parecido, entre la melancolía y la fascinación, con una buena banda sonora de fondo y una pareja protagonista magnífica, Anton Yelchin y Lucie Lucas. 'Porto' es un film para románticos empedernidos, de los que ya casi no quedan (tal vez, por eso hubo tanta gente que abandonó la sala), de esos que siguen creyendo en el amor incluso cuando se rompe en pedazos entre sus dedos. 'Porto' es la crónica de un amor roto, una deconstrucción preciosa y mágica de ese amor, que juego con el espacio temporal para cambiar el final de la historia, que reconstruye los fragmentos como lo haría una memoria con sus recuerdos. 'Porto' es posiblemente un film imperfecto, pero una delicia para los sentidos.

 

'YEON-AE-DAM / OUR LOVE STORY' de Lee Hyun-ju (Corea del Sur) -99 min.-
Intérpretes: Lee Sang-hee , Ryu Sun-young.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Yoon-ju es una estudiante de posgrado de Bellas Artes, que tiene trabajos a tiempo parcial para llegar a fin de mes, y vive en la casa de su amiga Young-eun por un pequeño alquiler. A diferencia de Young-eun, que disfruta de sus relaciones sin compromiso, Yoon-ju busca algo más serio. Un día, mientras está buscando materiales para su proyecto, se encuentra con Ji-soo en una tienda de segunda mano. Al ver a Ji-soo en un lugar extraño, Yoon-ju se siente atraída por ella.

'Our Love Story' es una bonita y sencilla historia de amor lésbico que funciona estupendamente en su primera mitad, cuando presenta a sus personajes y seguimos a la protagonista en su descubrimiento sexual y la manera de afrontar su primera relación con una mujer. El inicio de la relación se muestra de forma pudorosa, como no podría ser de otra forma en la cultura oriental, y la película se mantiene interesante ante las primeras dificultades y en su descripción de como el amor y la pasión pueden ir cegando tu realidad cotidiana que hasta ese momento había marcado tu forma de ser. Es en la parte final cuando el film pega un bajón, la película parece perder el rumbo, se vuelve repetitiva, y su discurso se dispersa con algunos personajes secundarios innecesarios y una descripción banal del mundo artístico. 'Our love story' es un film correcto, bien interpretado por Lee Sang-hee y Ryu Sun-young, agradable de ver, pero falto de ambición para llegar más lejos.

 

'HU XI ZHENG CHANG / SOMETHING IN BLUE' de Yunbo Li (China) -107 min.-
Intérpretes: Ruihong Ye, Xingchao Zhang, Hui Li, Jiaheng Zhou, Wenshan Su, Xin Huang ,Yi Li, Yawen Zhuo.

(Sección Nuev@s Director@s)

Sinopsis: Cuatro jóvenes, una ciudad. Por amor o idealismo, divertidos y algo desconcertados. A medida que cambian las estaciones, ellos entran en la película desde la vida; después vuelven a sus vidas desde la película. Se interpretan a sí mismos en la película, sus papeles transforman sus vidas. Una improvisación original en el cine chino, una nueva forma de narrar la vida urbana.

'Something in Blue' es una comedia dramática irregular sobre un grupo de jóvenes chinos y sus relaciones. Con un formato episódico y desenfadado, la película busca semejanzas con el cine de Woody Allen, utilizando igual que él música de jazz para unir sus escenas y combinando los diálogos llenos de frescura con el cinismo de algunas aseveraciones sobre las relaciones sentimentales y la vida en general. Sin embargo, esta película china no logra una narrativa equilibrada que haga que nos interesemos lo suficiente por sus personajes, actores no profesionales que aportan sus propias vivencias a los diálogos y que no encuentra en esa improvisación pactada un vínculo necesario durante todo su metraje para formular un discurso unitario con el que identificarse. 'Something in Blue' es una rapsodia que nos habla de la juventud contemporánea china, con la que nos une muchas cosas, pero tan distinta en otras, centrándose en los aspectos más cotidianos y universales como son la amistad, el amor, las expectativas o las decepciones, mientras los personajes se encuentran para hablar y comer, con bastante humor y algo que podríamos definir como pesimismo vital, esa misma manera de ver la vida que tiene Woody Allen, con desconfianza y placer al mismo tiempo.

 

 

SECCIÓN PERLAS

 

'ARRIVAL (LA LLEGADA)' de Denis Villeneuve (Estados Unidos) -116 min.-
Intérpretes: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg.

(Sección Perlas - Clausura)

Sinopsis: Cuando misteriosas naves espaciales aterrizan en diferentes lugares del planeta, un equipo de élite liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) es reclutado para investigar. Mientras la especie humana se encuentra al borde de una guerra global, Banks y su equipo buscan respuestas a contrarreloj, y para encontrarlas, Banks correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente a la humanidad.

'Arrival' es un extraordinario film de ciencia-ficción que antes de su estreno ya tiene visos de comvertirse en un clásico perdurable del género. Con su reflexión sobre el lenguaje como vía de comunicación para evitar los conflictos y su emotiva moraleja final sobre la belleza de la vida, incluso en sus momentos dolorosos, la hacen un especie de cruce imposible entre 'Encuentros en la Tercera Fase' (Steven Spielberg, 1977) y 'El Árbol de la Vida' (Terrence Malick, 2011). Un film que conjuga, tanto en su argumento como en su narrativa visual, el entretenimiento y la tensión del relato de aventuras con el alcance sensitivo y discursivo del cine de arte y ensayo, una mezcla que Denis Villeneuve maneja a la perfección, consiguiendo un film de género atípico y más cercano a 'Solaris' (Andrei Tarkovsky, 1972) que a 'La Guerra de los Mundos' (Steven Spielberg, 2005), lo que puede decepcionar a algunos espectadores que busquen un film donde los efectos especiales y las invasiones alienígenas sean la parte central de un relato mucho más humano y sorprendente de lo que parece. 'Arrival' es un viaje sensorial que llevará al espectador, sin saberlo, hacia uno de los finales más bellos del cine contemporáneo, una sacudida emocional que te hará salir del cine aturdido y feliz. La película está protagonizada por una de las actrices del momento, la maravillosa Amy Adams, capaz de explorar con sensibilidad en el interior de su personaje, convirtiendo su mirada en la mirada del público. 'Arrival' es una de las películas de la temporada y su director, Denis Villeneuve, unos de los mejores directores del momento.

 

'FRANTZ' de François Ozon (Francia) -113 min.-
Intérpretes: Pierre Ninney, Paula Beer, Ernst Stötzner, Marie Gruber.

(Sección Perlas)

Sinopsis: En una pequeña ciudad alemana después de la I Guerra Mundial, Anna va cada día al cementerio a lamentar la pérdida de su novio Frantz, que murió en una batalla en Francia. Un día se encuentra con Adrien, un joven francés que ha ido a depositar flores en la tumba de Frantz y cuya presencia en un país que acaba de perder la guerra encenderá pasiones encontradas.

'Frantz' es una gozada para los cinéfilos de toda la vida. El excelente director francés François Ozon, se viste de clasicismo puro y con una exquisita fotografía en blanco y negro de Pascal Marti, nos ofece un relato fascinante que hará las delicias de los que amamos el cine clásico, el cine narrativo, el cine con el que crecimos y que ahora algunos se empeñan en reiventar con efectismos inútiles que ocultan sus incapacidades. Ozon factura una película que parece de otro tiempo, con un cuidado supremo por el encuadre y un ritmo delicado, para narrarnos una historia sobre el pasado, sobre la memoria y la ausencia, sobre la pasión y la mentira. Una melodrama que utiliza los recuerdos como eje de reconstrucción de una familia rota y la mentira como pegamento, pero que también teje una alegoría sobre la reconstrucción de un paais herido por la guerra. Aunque muchos podrán encontrar cantidad de referentes en el melodrama clásico, para mi, una constante que se me aparecía durante toda la proyección era la figura de Alfred Hitchcock. No hay suspense en el film de Ozon, pero sí una tensión subterránea que crea inquietud. También el título de 'Frantz' convierte en protagonista a la ausencia latente que mueve a los personajes como sucedía en 'Rebeca' (Alfred Hitchcock, 1940) y existe una extraña fascinación por la identidad impuesta como relataba 'Vértigo (De entre los muertos)' (Alfred Hitchcock, 1958), sin olvidar esa banda sonora de Philippe Rombi que, por momentos, parece reencarnarse en Bernard Herrmann, el compositor preferido del maestro del suspense. Más allá de estas consideraciones personales, 'Frantz' es un excelente film, protagonizado de forma brillante por Pierre Ninney y Paula Beer, que te reconcilia con el cine actual, donde un director como Ozon, demuestra que es capaz de desprenderse de todo artificio superfluo y contar su pasional historia con el corazón en una mano y la cámara de cine en la otra, como se hacen las grandes películas.

 

'L' AVENIR / THINGS TO COME' de Mia Hansen-Løve (Francia) -102 min.-
Intérpretes: Isabelle Huppert, André Marcon, Roman Kolinka, Edith Scob.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Nathalie enseña Filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta con la reflexión. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre la familia, antiguos alumnos y su madre, una mujer muy posesiva. Un día, su marido le dice que la deja por otra mujer. Nathalie se verá obligada a llevar a la práctica sus teorías sobre la libertad y reinventar su vida.

'L' Avenir' es un excelente drama que presenta a una mujer aburguesada y en plena madurez, interpretada como siempre de forma magnífica por la gran Isabelle Huppert, y que debe enfrentarse al vacío emocional y la soledad sentimental, reconstruyendo toda una vida que parecía asentada dentro de los parámetros y valores socialmente habituales, para descubrir su propia libertad como ser humano. El film tiene una narración sencilla y sensible, convirtiéndose en la mejor obra hasta la fecha de Mia Hansen-Løve que recientemente había sido encumbrada por la crítica con su vacía y pomposa 'Eden' (2014). Aquí, nos relata sin artificios todo el trayecto vital de esa mujer en primer término, sin necesidad de buscar el melodrama ni subtramas innecesarias que nos desvíen del camino, así que se centra en las cosas que importan, como el autodescubrimiento, el crecimiento intelectual o el aprendizaje de adaptación a un nuevo entorno. Un film de apariencia casi banal, pero con mucho jugo en su interior, y es que su gran acierto es colarnos con tanta sutileza y belleza una historia sobre las contradicciones de la vida y el complejo camino hacia la felicidad personal.

 

'FLORENCE FOSTER JENKINS' de Stephen Frears (Reino Unido) -110 min.-
Intérpretes: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Ambientada en Nueva York en 1940, Florence Foster Jenkins cuenta la verdadera historia de la legendaria heredera neoyorquina de la alta sociedad, que obsesivamente persiguió su sueño de convertirse en una gran cantante de ópera. Ella pensaba que su voz era hermosa, pero para todos los demás era hilarantemente horrible. Su 'marido' y manager, St. Clair Bayfield, un aristocrático actor inglés, estaba decidido a proteger a su amada Florence de la verdad. Cuando Florence decide dar un concierto público en el Carnegie Hall , St. Clair tiene que enfrentarse a su mayor desafío.

'Florence Foster Jenkins' es una comedia dramática inspirada en la vida real de una excéntrica soprano sin ningún tipo de habilidad vocal para cantar y que, sin embargo, consiguió grabar discos y actuar hasta en el Carnegie Hall ante gran parte de la aristocracia de la época, gracias a sus influyentes amistades y su fortuna económica. La película se podría catalogar como una obra relativamente menor dentro de la filmografía de Stephen Frears, resultando demasiado superficial y bondadosa en el retrato de sus personajes, dejando una velada crítica como telón de fondo, donde se percibe algo de sarcasmo al describir la hipocresía de la burguesía de la época y de toda la gente que adulaba absurdamente a la soprano para aprovecharse de su fortuna o simplemente pertenecer a ese club selecto que acudía a sus fiestas. El tono ligero y cómico que sobrevuela todo el film, convierte tanto a la protagonista, interpretada de forma magistral por la camaleónica Mery Streep, como a los ambiguos personajes que la rodean, por ejemplo, los interpretados por Hugh Grant, Simon Helberg o Rebecca Ferguson, en seres bienintencionados y emocionales, créandome serias dudas de si la película no hubiera resultado más rica e interesante si todos ellos se mostraran con las aristas y recovecos morales que dejan entrever sus comportamientos reales. 'Florence Foster Jenkins' termina siendo un biopic amable y entretenido que conectará bien con el público a nivel comercial, pero que dejará insatisfechos a los que busquen mayor profundidad y riesgo en su análisis de lo que sucedió.

 

'NA MLIJECNOM PUTU / ON THE MILKY ROAD' de Emir Kusturica (Reino Unido - Serbia) -125 min.-
Intérpretes: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Predrag Manojlovic, Sloboda Micalovic.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Primavera en tiempo de guerra. Cada día un lechero cruza el frente en un burro, esquivando balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Tocado por la buena fortuna en su cometido y amado por una bella lugareña, un apacible futuro parece aguardarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana pone su vida patas arriba. Así comienza una historia de amor apasionado y prohibido que sumergirá a ambos en una serie de fantásticas y peligrosas aventuras. El destino les ha alcanzado y nada ni nadie parece capaz de detenerles…

'On the Milky Road' es una comedia dramática tan imaginativa como agotadora, y es que durante sus más de dos horas de metraje, el director Emir Kusturica nos regala una historia alocada llena de humor absurdo, en su primera mitad, para concluir con un giro dramático demasiado transcendental y pretencioso, donde se reflexiona sobre el amor y la pasión. Esa mezcla de géneros y una historia difícil de seguir son un lastre para mantenerse interesado durante toda la proyección. Sin embargo, tiene elementos visuales maravillosos, ideas geniales y un montaje frenético durante sus primeros gags. Algunas imágenes quedan en la retina, ese reloj averiado, ese lechero cruzando las balas de la guerra, esa gallina en el espejo, esas ovejas saltando por los aires... Y como no, la sensualidad sempiterna de Monica Bellucci, vestida de novia o ordeñando una vaca. Junto a ella, el propio Kusturica como actor protagonista, tan desconcertante como el argumento del film, y el descubrimiento del film, la actriz Sloboda Micalovic. 'On the Milky Road' es irregular al abrir demasiados frentes, pasando de la risa y aventura caricaturesca cercana a la screwball comedy al llanto y el drama exacerbado, pero por el camino ofrece muchos buenos ratos de cine.

 

'SIERANEVADA' de Cristi Puiu (Rumanía - Francia) -173 min.-
Intérpretes: Mimi Branescu, Judith State, Bogdan Dumitrache.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Tres días después del atentado contra Charlie Hebdo y cuarenta días después de la muerte de su padre, Lary -40 años, médico- va a pasar el sábado con su familia, reunida en memoria del difunto. El evento, sin embargo, no se desarrolla como estaba previsto. Obligado a afrontar sus miedos y su pasado y forzado a reconsiderar el lugar que ocupa dentro de la familia, Lary tendrá que decir su verdad.

'Sieranevada' es una comedia dramática con diálogos afilados y un buen puñado de personajes bien definidos, que explota una delirante situación única durante las casi tres horas de metraje. El film está siendo aplaudido por la crítica y representará a su país en los Oscars como candidata a la mejor película de habla no inglesa. A pesar de lo ingenioso de su planteamiento y la pericia de Cristi Puiu para mantener el interés en todo lo que sucede alrededor de esa comida familiar, sí se advierte una innecesaria prolongación de los hechos, reduciendo a menos de dos horas la película hubiera sido mucho más redonda. 'Sieranevada' utiliza a la familia protagonista para plantear las contradicciones del ser humano, respecto a sus pensamientos, sus tradiciones y sus convicciones, reflexionando con ironía tanto de la complejidad del ser humano y de las relaciones humanas, como de un entorno que no alcanza a comprender, con referencias explícitas a algunos atentados terorristas islámicos y otros hechos sobre los que se inician discusiones con distintos puntos de vista, siempre sin perder el sentido del humor.

 

'TONI ERDMANN' de Maren Ade (Alemania - Austria) -162 min.-
Intérpretes: Sandra Hüller, Peter Simonischek.

(Sección Perlas - Premio Fipresci)

Sinopsis: Ines trabaja en una importante empresa alemana con sede en Bucarest. Tiene una vida perfectamente ordenada hasta que Winfried, su padre, llega de improviso y le hace una pregunta inesperada: "¿Eres feliz?". Incapaz de contestarle, su existencia se ve conmocionada por la presencia de ese padre del que se avergüenza un poco, pero que le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann.

'Toni Erdmann' es una desconcertante, ingeniosa y divertidísima comedia dramática que con un metraje inflado plantea las dificultades de las relaciones familiares, especilamente centrándose en la relación paterno-filial de los dos personajes centrales, y también propone una reflexión sobre el mundo contemporáneo y su modo de vida, con excesivas preocupaciones y casi sin espacio para la felicidad plena. El film es ágil y tiene un humor peculiar capaz de arrancar más de una carcajada al público, escondiendo un transfondo triste donde se habla de temas como el desapego emocional y la necesidad de realización personal en el ámbito laboral como modo para ocultar las incapacidades en el aspecto personal. 'Toni Erdmann' esboza dos personajes magníficos que se contraponen como la noche y el día, interpretados de forma magnífica por Sandra Hüller y Peter Simonischek, pero que se complementan a la perfección para plantear todas esas cuestiones. Un canto a la vida, la libertad y el desenfreno, a disfrutar cada instante por encima de los problemas cotidianos y a conservar los vínculos personales con las personas que nos importan. Y la película, además, tiene algunas secuencias de alta comedia, como la que abre la película con el mensajero, la canción de Whitney Houston, los momentos de la dentadura postiza y, especialmente, la escena de la fiesta nudista y la aparición de un elemento sorpresa que te hará llorar de risa. Un buen film que peca en su exceso de metraje, pero que se le perdona por los buenos momentos que te hace pasar.

 

'UMI YORIMO MADA FUKAKU / AFTER THE STORM' de Hirokazu Koreeda (Japón) -120 min.-
Intérpretes: Abe Hiroshi, Maki Yoko, Yoshizawa Taiyo, Kiki Kilin.

(Sección Perlas)

Sinopsis: Ryota vive en el pasado, en sus momentos de gloria como premiado autor. Tras divorciarse, gasta en las carreras todo el dinero que gana como detective privado y no puede pagar la pensión alimenticia de su hijo. Tras la muerte de su padre, trata de retomar las riendas de su vida y hacerse un hueco en la de su hijo. Un inesperado tifón obligará a toda la familia a pasar la noche juntos en casa de la abuela y les dará la oportunidad de reencontrarse.

'After the Storm' es una bella película del incombustible director japonés Hirokazu Koreeda que vuelve a incidir el tema de la importancia de la familia como eje sobre el que gira la historia. Menos clarividente y profundo que en otras de sus obras como 'Aruitemo, aruitemo' (Still Walking, 2008) o 'Soshite chichi ni Naru' (De tal padre, tal hijo, 2013), sigue mostrándose con el narrador artesano que nos habla de eso tan complejo que llamamos vida, desde la sencillez más absoluta como ya hizo el año pasado en 'Umimachi Diary (Nuestra hermana pequeña, 2015)'. Aquí también nos ofrece un relato donde no suceden grandes cosas, tan solo aparecen personajes con las virtudes y defectos de cualquiera de nosotros, aquí centrado en una familia desestructurada y el modo de recuperar una relación fluida en el nuevo escenario que la separación de los progenitores ha provocado en su relación con el hijo que tienen en común. Un tormenta como detonante metafórico de una relación en crisis que sirve como aprendizaje para redescrubrir los aspectos positivos del otro por encima de los errores que todos podemos cometer. Un film realizado con extrema sensibilidad y alguna dosis de humor, en un equilibrio que Koreeda cocina como el mejor chef del momento para este tipo de cine.

 

 

SECCIÓN MADE IN SPAIN

 

'CALLBACK' de Carles Torras (España - Estados Unidos) -83 min.-
Intérpretes: Martin Bacigalupo, Lilli Stein, Larry Fessenden, Timothy Gibbs.

(Sección Made in Spain)

Sinopsis: Larry es un ferviente cristiano evangélico que vive en Nueva York y trabaja como mozo de mudanzas, aunque su gran aspiración es convertirse en actor profesional de anuncios publicitarios. Vive inmerso en una solitaria rutina de traslados en casas ajenas, disputas con su jefe y continuos castings, a la espera de una oportunidad. Su suerte parece cambiar el día que Alexandra entra en su vida, sin embargo, pronto las cosas empezarán a torcerse.

'Callback' es un excelente thriller dramático que plasma a fuego lento y con bastante mala baba, el reverso del sueño americano desde la óptica de una mente enferma. Oscura e inquietante, pero no exenta de un humor macabro soterrado, Carles Torras se vuelve a mostrar como un gran narrador de la claustrofobia inherente a nuestra sociedad individualizada y competitiva, a través de la mirada turbia de un personaje peculiar y antisocial como ya ocurría en su anterior obra, la menospreciada y magnífica 'Open 24H' (2011). Ambas obras podrían formar un díptico aterrador y contudente sobre el "pasajero oscuro" que todos llevamos dentro, como diría Dexter, pero también sobre lo difícil que resulta encajar en la vida cuando eres un perdedor o simplemente alguien "del montón". En 'Callback', seguimos las andanzas de un hombre aparentemente normal que se comporta como un psicópata cuando se siente herido en su orgullo o expectativas, un personaje que podría resultar inicialmente despreciable, pero con el que el espectador podrá identificarse fácilmente y hasta entender las motivaciones que le llevan a actuar de esa manera, porque la frustración, el deseo, la necesidad de reconocimiento o la soledad, son sentimientos cercanos a cualquiera de nosotros. Torras cuentas con la complicidad de su co-guionista y actor protagonista, un esplénddo Martín Bacigalupo, capaz de exponer desde el hieratismo todo un abanico de emociones y contradicciones.

 

 

Enviado Especial UC (Daniel Farriol).